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Architettura e felicità Alain de Botton

Architettura e felicità

«C’è un che di straordinario in Alain de Botton. Combatte la guerra contro il conformismo con armi e tattiche tutte sue: è erudito ma non minaccioso, ha curiosità e sensibilità. Guida il lettore verso la piena comprensione delle cose, miscelando la giusta dose di forza espressiva e moderazione. Architettura e felicità possiede tutti gli elementi di questa formula vincente.»
THE INDEPENDENT

Se riteniamo che la qualità dell’ambiente in cui viviamo sia fondamentale per il nostro benessere, non possiamo non interrogarci sul rapporto tra architettura e felicità. Ma da dove cominciare? Oggi, a differenza dei secoli passati, siamo consapevoli dell’impossibilità di individuare una misura del bello assoluta e riproponibile all’infinito, senza tener conto delle tradizioni locali e della sensibilità dei committenti. Se le ville palladiane rappresentano un ineguagliato modello di equilibrio architettonico, una recente villa costruita a Londra secondo gli stessi canoni suscita più sconcerto che ammirazione. E non erano affatto contenti i signori Savoye, per cui Le Corbusier progettò la famosa villa di Poissy: il capolavoro dell’architetto modernista si rivelò ben presto inabitabile. D’altro canto, invece, accostamenti inediti di forme, materiali e stili possono essere fonte di piacere e serenità. Attraverso una ricca casistica e insieme facendo ricorso alla verve del narratore, De Botton indaga, nella molteplicità delle sue sfaccettature, l’influenza del design sull’essere umano, design che suscita sensazioni e riflessioni, modifica l’umore, fornisce stimoli al miglioramento. Imparando a ritrovare in edifici e oggetti doti e qualità presenti anche nell’uomo avremo dunque l’occasione di conoscere meglio noi stessi. È questa, dopotutto, la fonte della vera felicità.

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Joan Miró. La poesia della pittura Michele Tavola

Joan Miró. La poesia della pittura

Joan Miró. La poesia della pittura. Edutainment: imparare divertendosi e divertirsi imparando! È questa la filosofia di Impronte, la collana di emuse dedicate all’arte. Impronte è stata realizzata per aiutare chi ama e chi vorrebbe amare l’arte a incontrare gli artisti e i più grandi capolavori della Storia dell’Arte di tutti i tempi, attraverso monografie snelle e dal prezzo decisamente contenuto, ma allo stesso tempo complete e rigorose, con una scelta dei più importanti capolavori dei protagonisti della Storia dell’Arte, presentati con immagini di ottima qualità.Joan Miró. La poesia della pittura inaugura la collana Impronte. I testi dello storico dell’arte Michele Tavola, con un linguaggio semplice ma rigoroso, ci forniscono gli strumenti per introdurci nella vita e per comprendere le opere dell’artista catalano, che Tavola presenta come “poeta del colore e delle forme che nascono dalla sua fantasia”. L’ebook contiene:un testo critico che illustra le tappe principali della formazione artistica di Miró;una selezione di opere corredate da una scheda tecnica e da una lettura storica e stilistica dell’immagine;una biografia dettagliata per ripercorrere gli eventi, i viaggi e gli incontri che hanno formato la sua identità umana e artistica.

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Il caso Rembrandt Tzvetan Todorov

Il caso Rembrandt

«Meglio di un romanzo per chi voglia capire un artista come Rembrandt.»
«Internazionale» - Goffredo Fofi

Trovandoci davanti all’opera di un grande maestro, oltre ad ammirare la perfezione delle forme o interrogarci sul significato di ogni immagine, speriamo di scorgervi qualche indizio che getti luce su uno dei più affascinanti segreti delle attività umane: il processo creativo. Quali sono le condizioni perché scaturisca un’opera destinata a imporsi a livello universale? Qual è la relazione fra vivere e creare? Nel sollevare con discrezione il velo che avvolge questo mistero, Tzvetan Todorov sceglie come punto di partenza la storia del più famoso pittore del XVII secolo, Rembrandt: descrive la lezione umana che traspare dai suoi quadri e dalle sue incisioni correlandola con quanto conosciamo dei suoi rapporti con le donne, i figli, la famiglia, la vita. E ripercorre il secolare dialogo dell’arte con la morale e la realtà, per affermare idealmente, nelle parole della filosofa e scrittrice Iris Murdoch, che «la relazione dell’arte con la verità e con il bene dev’essere lo scopo fondamentale di ogni seria critica».

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Verso l'immateriale dell'arte. Con scritti inediti Yves Klein

Verso l'immateriale dell'arte. Con scritti inediti

Per la prima volta in Italia viene pubblicato il testo della Conferenza che Yves Klein tenne alla Sorbona nel 1959, in cui espose la sua concezione di come l’arte dovesse evolversi verso l’immateriale. I testi inediti qui proposti seguono lo stesso filo conduttore.Altri documenti preziosi attestano i legami dell’artista con l’Italia, a partire dalla lettera scritta durante il viaggio di formazione intrapreso dal giovane Klein in Italia nel 1948, all’articolo di Dino Buzzati che per primo ne riconobbe l’opera nel 1957, alla prefazione con cui Pierre Restany inaugurò l’importante mostra di Milano del 1961, fino all’intervista a Lucio Fontana pubblicata nel 1968 in una monografia dedicata a Yves Klein. Questi scritti testimoniano la volontà e la consapevolezza che l’artista aveva di partecipare a un importante rinnovamento dell’arte.

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Tutto per una ragione Loredana De Pace

Tutto per una ragione

Di fronte al titolo di questo libro viene spontaneo domandarsi: qual è questa ragione? La prima risposta è strettamente connessa alla meravigliosa duttilità dell’immagine fotografica.Le altre ragioni che hanno portato l’autrice, Loredana De Pace, a riflettere sulla fotografia, sono raccontate in ciascuno dei dieci capitoli attraverso le immagini, le considerazioni, gli interrogativi, gli approfondimenti, pagina dopo pagina.Dieci i capitoli, dieci i ragionamenti su altrettanti temi che la fotografia sfiora, tocca, attraversa. Nate anche attraverso il lavoro corale di autorevoli menti (sociologi, psicologi, filosofi, direttori di festival e di musei, esperti di fotografia) che, a vario titolo, hanno partecipato alla riflessione, le pagine si sono riempite di considerazioni, domande e forse anche di qualche risposta.Ma soprattutto, della possibilità di sviluppare una personale visione e coltivare senso critico, partendo ciascuno dalla propria ragione.

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The Rediscovered Face. The Unmistakable of Christ AA.VV.

The Rediscovered Face. The Unmistakable of Christ

From the third century A.D. until the Renaissance, the face of Christ in western iconography assumed unique recognizable features. This appears to be linked to the “acheiropoieta” – images of the face of Christ with detailed features which Christ Himself apparently left us. The «Mandylion», in the East, was a cloth on which He apparently imprinted the image of His face in answer to a request from King Abgarus, King of Edessa. In the West, we have the veil with which Veronica is said to have wiped Jesus’ face on the way to Calvary. Literary and historical sources record an even more ancient portrait on cloth, named after the city in Cappadocia where it was found, «Kamouliana». Traditions surrounding these three images coincide surprisingly closely with those surrounding the Veil of Manoppello (a small town near Pescara, in the Abruzzi region of Italy). This extant portrait of Christ on a veil is of scientifically inexplicable origin despite significant experimental research into how it may have been created. This volume illustrates the stories behind these images, and how they weave in and out of history throughout the centuries.

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Storytelling a chi? Sara Munari

Storytelling a chi?

Storytelling: fortunato termine nato negli Stati Uniti e successivamente sbarcato in Europa è, dagli anni Novanta, ampiamente utilizzato, e abusato, negli ambiti più diversi per definire l’atto di “raccontare storie”. Ma cosa sappiamo dello storytelling fotografico? Come si racconta una storia con le immagini? Quali sono le tipologie di narrazione, le caratteristiche, le tecniche, i contesti?Sara Munari, con uno stile ironico e accattivante, reso famoso dal seguitissimo blog Mu.Sa., ci aiuta a scandagliare i metodi del fare fotografia con una sguardo ampio, profondo e provocatorio.Terzo di tre volumi che accompagnano fotografi e aspiranti tali in un itinerario di consapevolezza delle regole della comunicazione visiva dalla composizione dell’immagine (Il fotografo equilibrista), alla costruzione del portfolio fotografico (Il portfolio fotografico), il volume Storytelling a chi? vuole essere una guida pratica per tutti coloro che desiderano narrare storie attraverso lo strumento fotografico. Il manuale contiene 170 immagini, indicazioni e riferimenti in grado di tracciare un percorso attraverso regole e storia della comunicazione visiva. NUOVA EDIZIONE AGGIORNATA

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Rinata. Diari e appunti 1947-1963 Susan Sontag

Rinata. Diari e appunti 1947-1963

Rinata, il primo dei tre volumi dei diari e appunti di Susan Sontag di cui nottetempo pubblica l’edizione italiana, coglie e rivela l’autrice ­­ – tra i maggiori pensatori e scrittori del XX secolo – mentre è pienamente immersa in una fase di “autoinvenzione”. Esordendo con la penna di una vorace e prodigiosa quattordicenne, Rinata termina con le annotazioni di una Sontag trentenne, che vive a New York e comincia a essere pubblicata. Il diario di questo periodo è l’affascinante storia di un apprendistato intellettuale, alla ricerca di identità e voce, sorretto da una volontà fortissima e dal profondo, radicato desiderio di essere circondata dalla letteratura e dalla cultura. Com’è stato scritto, il diario può essere considerato come il primo libro di Susan Sontag, “la storia di una donna che lotta con la propria consapevolezza”.

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Prima che il buio circondasse ogni cosa Davide Enia

Prima che il buio circondasse ogni cosa

Due fratelli, la città e i suoi miti, il cibo di strada, Santa Rosalia e la Vuccirìa. Il dialetto e la lingua, la voglia di restare e il bisogno di partire. Palermo è sullo sfondo di questo bellissimo e amaro racconto di Davide Enia accompagnato dalle splendide tavole di Massimo Kaufmann

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Preparare la venuta degli dei. Wagner e i media senza dimenticare i Pink Floyd Friedrich Kittler

Preparare la venuta degli dei. Wagner e i media senza dimenticare i Pink Floyd

Wagner è l’inventore dei mass media? Il rock dei Pink Floyd è figlio dei radar per sottomarini? I sintetizzatori ci hanno riportato gli dei? Uno dei pensatori più cruciali e irregolari degli ultimi anni, mai tradotto prima in italiano, ci spiega la musica moderna, dalla microfisica dei suoni alla metafisica dell’Essere, per descrivere una svolta epocale che ha cambiato per sempre il modo in cui percepiamo il mondo. Con acume irriverente e dottrina inattaccabile, il più creativo e radicale teorico dei media degli ultimi anni discute il potere dionisiaco della musica, partendo da Wagner e accompagnandoci in un viaggio zigzagante e visionario che lambisce le coste meno esplorate della Grecia antica per approdare alle radici paniche del rock. In un discorso capace di mescolare con spregiudicata profondità le narrazioni e i saperi più disparati – da Pynchon a Saffo, da Lacan alla musica della British Invasion, da Heidegger alle innovazioni tecniche della Seconda guerra mondiale – Kittler racconta le peripezie sonore dell’eterno ritorno dell’arcaico nelle moderne società di massa. Due saggi e una lunga conferenza che sono un atto di oltranzistica de­vozione alla bellezza. Una spericolata incursione nella musica come tecnologia dell’estasi.

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Poesia e fotografia Yves Bonnefoy

Poesia e fotografia

In queste pagine, Yves Bonnefoy indaga gli effetti dell’introduzione del processo fotografico sulla società, e in particolare sulle opere e il pensiero degli artisti che per primi, spesso inconsciamente, ne subirono la fascinazione. E lo fa a partire da un’attenta rilettura di testi quali Igitur di Mallarmé e La notte di Maupassant.Come rileva Antonio Prete nell’introduzione, tutti i grandi temi che attraversano la scrittura di Bonnefoy, “l’assenza e la presenza, la parola e l’immagine, lo sguardo e il visibile, la singolarità irripetibile del vivente e il caso, l’istante e il fuggitivo”, vengono qui dispiegati per far luce su un passaggio chiave nella formazione della sensibilità moderna e cogliere, attraverso la lente della poesia, i pericoli e le potenzialità insite nell’invenzione di Daguerre.

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Picasso incisore. L'avventura del segno Michele Tavola

Picasso incisore. L'avventura del segno

Picasso incisore. L’avventura del segno ripercorre la produzione grafica di Pablo Picasso, fondamentale nella sua eclettica produzione artistica. Picasso ha sperimentato con curiosità e abilità impressionante tutte le tecniche grafiche (incisione, litografia, intagli su linoleum) indagandone le possibilità artistiche. Il segno lasciato da Picasso nella storia della grafica è parallelo a quello lasciato nella storia della pittura e rappresenta il lato più intimo del pensiero e della sua evoluzione artistica, un segno che riesce a svelare tratti inediti della sua personalità.In questo volume Michele Tavola, tra i massimi esperti italiani in materia, ripercorre la carriera di Picasso dagli esordi ai capolavori dell’età avanzata, analizzando le sperimentazioni tecniche e artistiche che caratterizzeranno tutta la sua produzione. Picasso è testimone illustre degli eventi storici del XX secolo, collabora con i maggiori maestri incisori, con cui condivide la passione per la ricerca e l’innovazione, e con i più prestigiosi editori d’arte, che riconoscono da subito il valore della sua produzione grafica.L’ebook contiene un testo critico che segue l’evoluzione artistica di Picasso, 15 opere esemplari con elevata resa qualitativa corredate di scheda critica e guida alla lettura e una biografia completa dell’artista.

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Per Pablo Luis Miguel Dominguín

Per Pablo

Scritto da Luis Miguel Dominguín nel 1960, questo testo è l’espressione più autentica dell’affinità elettiva che lo lega a Pablo Picasso. Su invito dell’amico, il matador lascia la muleta per la penna, e sul filo della memoria si cimenta in una personale riflessione sull’arte, la tauromachia e i sentimenti umani. La mia esistenza trova ampia giustificazione in tre cose: i tori, l’amicizia, l’arte. I tori sono la mia professione, l’amicizia la mia devozione e l’arte la mia vocazione.La tauromachia, fonte di grande ispirazione per Picasso, viene qui spogliata della sua dimensione mondana, rivelando quanto vi sia di sacro e di archetipico in essa: rito tragico che attraverso il confronto tra l’umano e l’animale è, secondo le parole dell’etnologo Leiris, “il simbolo più adeguato di quel che in verità è il cuore fondo della nostra vita passionale”.

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Oltre le regole Marco Tortato

Oltre le regole

«Castigat ridendo mores, affermava J. de Santeuil nel XVII secolo, correggi i costumi ridendo. Lo stesso si può applicare a questo libro. Ogni tavola a fumetto è, infatti, affiancata da una riflessione teorica semiseria e da esercizi finalizzati a sviluppare gli aspetti fotografici trattati. Non è un manuale, leggetelo con ironia, con autocritica, ma soprattutto con mente aperta. Lasciatevi trasportare dal flusso del pensiero e poi… sperimentate.» Così Marco Tortato descrive Oltre le regole, un’opera che mira ad accompagnare chi si avvicina alla fotografia con consigli, esercizi, suggerimenti bibliografici in un percorso che mira ad accrescere la padronanza degli elementi formali ed espressivi per affrontare un progetto fotografico con maggiore consapevolezza.

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Michelangelo. La potenza della forma Michele Tavola

Michelangelo. La potenza della forma

Michelangelo. La potenza della forma, la seconda uscita di Impronte. Monografie d’arte digitali, la collana di emuse dedicata agli artisti e ai più grandi capolavori della Storia dell’Arte di tutti i tempi, è una monografia completa e rigorosa, con una scelta di immagini dei più importanti capolavori di Michelangelo, il gigante del Rinascimento italiano, nel 450° anniversario dalla sua morte.Michelangelo. La potenza della forma ci consente di attraversare le vicende umane e artistiche di Michelangelo, dalla formazione alla consacrazione ricevuta dall’artista quando era ancora in vita. Nei suoi 89 anni Michelangelo non ha mai smesso di sperimentare, mosso da un profondo bisogno di esprimere il proprio talento e le proprie inquietudini attraverso l’arte. Scultore, pittore e architetto Michelangelo ha espresso in tutte le arti il massimo del potenziale del Rinascimento e cambiato per sempre lo status sociale dell’artista. L’ebook ci consente di seguire le vicende umane e artistiche che hanno plasmato la sua lunga esistenza e le sue produzioni attraverso:un testo critico che illustra le tappe principali della formazione artistica di Michelangelo;una selezione di opere corredate da una scheda tecnica e da una lettura storica e stilistica dell’immagine;una biografia dettagliata per ripercorrere gli eventi, i viaggi e gli incontri che hanno formato la sua identità umana e artistica.

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Materia Prima Jörg Fauser

Materia Prima

Harry Gelb ha sete. Sete di vita, di intensità, di gloria. Una sete inestinguibile. Per placarla viaggia, si droga, beve e, soprattutto, scrive. Va alla ricerca di estasi ed esperienze, ossia della «materia prima» dalla quale trarre i romanzi e le poesie con cui è determinato a entrare nella storia della letteratura. Il fiume in piena dei fermenti europei degli anni Sessanta e Settanta lo sballottola tra Istanbul, Berlino e Francoforte tracciando le spire di una gioiosa catastrofe: un incessante vagabondare tra case occupate, lavori precari, assemblee del movimento studentesco e scalcagnate redazioni letterarie. Sempre a rotta di collo, con come unici porti franchi il bancone di una bettola, l’abbraccio di un amore corsaro, i tasti di una macchina da scrivere. Inseguendo Dostoevskij, Fallada e la Beat Generation (fino a convocare William Burroughs tra i personaggi del romanzo), l’«outsider tra gli outsider» Jörg Fauser descrive, con uno stile inconfondibile fin dalla prima riga, anno dopo anno, sbronza dopo sbronza, le passioni e i tradimenti di un’intera utopia sociale. Sarcastica anatomia dell’irrequietezza e della dipendenza, Materia prima racconta gli slanci e i passi falsi di una picaresca vocazione alla scrittura e alla rivolta.

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Louis Lambert Honoré de Balzac

Louis Lambert

Al collegio degli Oratoriani di Vendôme s’iscrive un nuovo allievo, di umili origini e di scarso rendimento. L’unico ad accorgersi che in quel figlio di poveri conciatori brucia il fuoco del genio è un suo compagno di classe, il quale decide di raccontarne la folgorante storia di ascesa e declino dando così forma a uno dei più singolari romanzi dell’Ottocento. Attraverso la creazione della figura fragile e preziosa del protagonista, Balzac analizzò e sublimò le tendenze più irrazionali e distruttive della propria indole tempestosa. Esemplare parabola di un essere eccezionale, Louis Lambert (1832) è infatti anche un’opera di forte impronta autobiografica, dove si rispecchiano le inquietudini spirituali e le aspirazioni filosofiche di uno scrittore che rischiava di essere fagocitato dalla propria stessa grandezza.

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Lo sguardo oscillante Luciano Eletti

Lo sguardo oscillante

L'autore, figura lontana dall'accademia benché di formazione prettamente filosofica, si interroga sul vedere in quanto attività appercettiva indagandolo da un particolare luogo di osservazione che considera il fattore assenza. ‘Vista' e ‘vedere' non sono sinonimi, ma entrambi soffrono di un eccesso di presenza e prensilità. Per disegnare le possibilità di una risposta alla domanda apparentemente oziosa “che cosa vediamo quando vediamo?” non esita a introdurre l'attitudine filosofica in mondi estranei, costruendo un itine-rario privo di paragoni: dall'esame dei fondamenti teoretici di Astratta Commedia, pièce di Paolo Ferrari recentemente portata in scena, dall'impostazione del rapporto tra pensa-re come gesto anche artistico e produzione industriale, alla storia di uno sguardo in cui è impresso il marchio del logos e che ancora non ha imparato a perdere, sebbene già le vetrate delle cattedrali gotiche preannuncino la possibilità di un venir meno dell'oggetto visivo, a Rembrandt quale occhio pensante che coglie la persona in un oscillare privo dell'anima intesa come sostanza. Il libro si rivolge per principio alla totalità dei lettori in quanto possessori di vista e consente l'avvio da una qualsiasi delle tappe toccate. Esige però l'accettazione del rischio che il mondo si stacchi dall'immagine abituale. Il fine infatti non è l'analisi estetica: attraverso vie inesplorate l'A. mira alla costituzione di un vedere che sappia finire, che si nutra di scarti, differenze e salti di piani in modo che lo sguardo inizi ad oscillare aprendo nuovi panorami agli occhi della specie umana.

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L'Isola Tiberina Ersilia Caetani Lovatelli

L'Isola Tiberina

Situata nel mezzo del biondo Tevere, pur restanto un luogo pittoresco e ricco di fascino, L’Isola Tiberina non ha conservato integralmente lo splendore dei tempi passati. In questo trattato che Ersilia Caetani Lovatelli dedica all’Isola di Roma, andiamo alla scoperta della sua nascita, dei principali monumenti che ne hanno fatto la storia e dell’antica bellezza. Questa rappresenta la prima edizione digitale vera e propria del testo, costruita con la cura e l’attenzione che sempre sono richieste nella trasmissione del sapere.

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Le giornate di un compositore Vittorio Zago

Le giornate di un compositore

Colmare la distanza tra ascoltatore e musicista è lo scopo di questo libretto.L'attività quotidiana di un compositore, il rapporto tra l'essenza del discorso musicale e l'esistenza da cui scaturisce è spesso inimmaginabile per il profano.La sfida a cui l'autore volentieri si presta è quella di narrare al lettore quali sono le problematiche di chi ha scelto la professione di compositore.Un rigoroso pensiero musicale si coniuga con la sorgente personale: in tal modo si affacciano quegli interrogativi, quelle scoperte, quei dubbi e quelle intime gioie che danno senso e valore al gesto del comporre ed invitano a entrare in intimità con l'appassionante mondo di un musicista.

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Le case che siamo Luca Molinari

Le case che siamo

Che cosa hanno in comune le casette dei Tre Porcellini e il Cabanon 
di Le Corbusier? E Casa Farnsworth
 – la casa trasparente – costruita da
 Mies van der Rohe per una donna molto amata e gli studi del Grande Fratello?La casa è ancora il primo bene che ci fa proprietari o il giovane sogno borghese
 è finito insieme al boom? Qual è la forma delle case nell’epoca della sharing economy e della riproducibilità architettonica imposta dalle emergenze di guerra e dalle migrazioni? Che cosa ha cambiato l’Ikea nel nostro modo di immaginare non solo lo spazio, ma la vita?
 Con una lingua puntuale e accogliente
 che comincia col racconto di una casa 
vera (nella quale si può entrare) e arriva allo spazio, anche politico, da abitare
 e da ridiscutere, Luca Molinari racconta che tipo di casa siamo e siamo stati
 e che casa dovremmo o potremmo essere, e soprattutto dice perché senza casa
 non c’è architettura.

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La stanza dipinta Inger Christensen

La stanza dipinta

Un piccolo delizioso romanzo che narra di un triangolo d'amore durante i lavori preparatori della Camera degli sposi a Palazzo Gonzaga. Andrea Mantegna e Marsilio sono innamorati della stessa donna e la loro storia è a sua volta un affresco rinascimentale.Inger Christensen, una delle maggiori poetesse danesi, dona ai suoi lettori questa perla in prosa.

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La salvezza del bello Byung-Chul Han

La salvezza del bello

Dostoevskij aveva detto che solo la bellezza ci salverà. Ma oggi è il bello stesso a dover essere messo in salvo, recuperando l’integralità della sua esperienza che l’epoca digitale fa svanire di giorno in giorno. Questo è l’intento del saggio di Byung-Chul Han, che ripercorre momenti essenziali del pensiero europeo sul bello, da Platone a Nietzsche e Adorno, per mostrare con vigorosa persuasività la deriva estrema della nostra esperienza estetica. L’estetizzazione diffusa, la veloce proliferazione di immagini levigate e consegnate al consumo, dove conta solo il mero presente della piú piatta percezione, conducono a una fondamentale anestetizzazione. Nulla piú accade e ci riguarda nel profondo, e cosí l’arte diventa, come già aveva avvertito Nietzsche, solo occasione di una momentanea eccitazione. Ma l’originaria esperienza del bello è invece una scossa estatica che ci trasforma e si prolunga anche nella vita etica e politica. La bellezza non rimanda al sentimento di piacere, ma a un’esperienza di verità. “Tu devi cambiare la tua vita”: il monito che promana dal Torso arcaico di Apollo nell’omonima poesia di Rilke è la parola che il bello ci rivolge attraverso questo libro.

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La Madonna col cappotto di pelliccia Sabahattin Ali

La Madonna col cappotto di pelliccia

Il romanzo-simbolo che ha unificato il popolo turco, un classico riscoperto dalle nuove generazioni di un paese in cerca di identità. Una storia d'amore degli anni '30 del novecento, di una modernità straordinaria, tra Ankara e Berlino. Due anime che si conoscono davanti a un ritratto e si riconoscono simili per l'eternità.

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La chiara fontana David Bosc

La chiara fontana

Romanzo felice e carnale, La chiara fontana narra – in stato di grazia – l’arte di un’epoca, la forza dei sensi e l’esultanza del corpo. Luglio 1873: il grande pittore realista Gustave Courbet – autore della famigerata Origine del mondo al centro di mille scandali – inizia il suo esilio in Svizzera. È stato tra i protagoni­sti dell’irripetibile stagione della Comune di Parigi e ha contribuito all’abbattimento della colonna Vendôme, simbolo del più tronfio imperialismo. Condannato a risarcire i danni e a scontare sei mesi di galera in una Francia insanguinata dalla reazione, Courbet ha scelto la fuga, ossia la libertà. E proprio come «la conseguenza di una libertà» David Bosc racconta gli ultimi quattro anni di vita di questo colosso della pittura, una libertà che è «dovere di governare se stessi» e coincide con le gioie, pure e contagiose, dell’arte e della Natura. Con una lingua luminosa, Bosc alterna in un vivace montaggio documenti, testimonianze e lucida immaginazione per consegnarci un modello di etica pratica e sensoriale, il ritratto di un uomo schietto, generoso, lontanissimo da ogni mitologia della genialità. La vita ebbra e consapevole di un artigiano del sublime.

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La Casa Aurea di Nerone Ersilia Caetani Lovatelli

La Casa Aurea di Nerone

La Casa Aurea (Domus Aurea) era quella grande villa urbana fatta edificare da Nerone in seguito all'incendio che, nel 64 d.C., devastò Roma per nove lunghi giorni.Ersilia Caetani Lovatelli descrive la figura dell'imperatore romano, seguendo l'opinione comune di fine Ottocento che lo vede come un folle incendiario, e illustra la costruzione della sua più famosa residenza, tra le polemiche e l'ammirazione dei suoi contemporanei. Allo stesso tempo, l'archeologa mostra i cambiamenti dei costumi romani nel corso degli anni, facendo riferimento proprio alle residenze più ricche e importanti dell'Urbe.Il presente studio offre un'esposizione agile e curata, ricca di dettagli, aneddoti e curiosità.Questa rappresenta la prima edizione digitale vera e propria del testo, costruita con la cura e l’attenzione che sempre sono richieste nella trasmissione del sapere.Il Salotto di Ersilia è il nome che abbiamo scelto per la collana che raccoglie i lavori di Ersilia Caetani Lovatelli, in un progetto di digitalizzazione atto a preservare, valorizzare e diffondere i suoi studi. Vuole essere un luogo di cultura in cui riscoprire i tesori che l’archeologa ci ha lasciato, attraverso gli articoli e i saggi redatti nel corso di una vita culturale vivace e operosa; un luogo virtuale che, tuttavia, riprende l’immagine affascinante di quel salotto reale, che la contessa fece divenire un punto di incontro importante per gli artisti e i letterati dell’epoca, italiani e stranieri.

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Joan Miró. La poesia della pittura Michele Tavola

Joan Miró. La poesia della pittura

Joan Miró. La poesia della pittura. Edutainment: imparare divertendosi e divertirsi imparando! È questa la filosofia di Impronte, la collana di emuse dedicate all’arte. Impronte è stata realizzata per aiutare chi ama e chi vorrebbe amare l’arte a incontrare gli artisti e i più grandi capolavori della Storia dell’Arte di tutti i tempi, attraverso monografie snelle e dal prezzo decisamente contenuto, ma allo stesso tempo complete e rigorose, con una scelta dei più importanti capolavori dei protagonisti della Storia dell’Arte, presentati con immagini di ottima qualità.Joan Miró. La poesia della pittura inaugura la collana Impronte. I testi dello storico dell’arte Michele Tavola, con un linguaggio semplice ma rigoroso, ci forniscono gli strumenti per introdurci nella vita e per comprendere le opere dell’artista catalano, che Tavola presenta come “poeta del colore e delle forme che nascono dalla sua fantasia”. L’ebook contiene:un testo critico che illustra le tappe principali della formazione artistica di Miró;una selezione di opere corredate da una scheda tecnica e da una lettura storica e stilistica dell’immagine;una biografia dettagliata per ripercorrere gli eventi, i viaggi e gli incontri che hanno formato la sua identità umana e artistica.

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I vigili dell'antica Roma Ersilia Caetani Lovatelli

I vigili dell'antica Roma

"I vigili dell’antica Roma" è il quinto e-book della collana dedicata a Ersilia Caetani Lovatelli. Come si evince dal titolo, attraverso questo breve trattato, la contessa ci vuole condurre nell’organizzazione di quel collegio addetto alla pubblica sicurezza, alla vigilanza notturna delle strade e alla protezione della città dagli incendi. Roma, infatti, era soggetta a incendi tanto frequenti e distruttivi che Augusto ritenne opportuno formare questa milizia da porre al servizio pubblico: militarmente organizzata, con il tempo ricoprì incarichi sempre più ampi e importanti, tanto da entrare persino nelle vicende politiche della Roma imperiale.Questa rappresenta la prima edizione digitale vera e propria del testo, costruita con la cura e l’attenzione che sempre sono richieste nella trasmissione del sapere. Il Salotto di Ersilia è il nome che abbiamo scelto per la collana che raccoglie i lavori di Ersilia Caetani Lovatelli, in un progetto di digitalizzazione atto a preservare, valorizzare e diffondere i suoi studi. Vuole essere un luogo di cultura in cui riscoprire i tesori che l’archeologa ci ha lasciato, attraverso gli articoli e i saggi redatti nel corso di una vita culturale vivace e operosa; un luogo virtuale che, tuttavia, riprende l’immagine affascinante di quel salotto reale, che la contessa fece divenire un punto di incontro importante per gli artisti e i letterati dell’epoca, italiani e stranieri.

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Io, il Cinema Massimo Canuti

Io, il Cinema

Che cosa accadrebbe se il cinema decidesse di prendere la parola? E soprattutto, quale storia racconterebbe, lui che di storie sugli schermi ne ha viste passare tante?In questo libro la settima arte si mette a nudo, e in prima persona ripercorre le tappe fondamentali della sua esistenza: da quando nacque, quel 28 dicembre del 1895 in cui i Lumière proiettarono in pubblico il loro primo cortometraggio, fino alle ultime frontiere del 3D e del digitale. Una confessione senza censure in cui il cinema racconta i suoi amori, le sue simpatie, ma anche le sue amarezze per un mondo che sembra considerarlo solo più un serbatoio di effetti speciali. Un piccolo mémoire in cui finzione e realtà, dramma e commedia si intrecciano, dando vita a un’autobiografia che è anche un po’ un romanzo. Con scene comiche, intrecci appassionanti, interludi istruttivi; e, proprio come in un film, con un finale inaspettato.

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Il volto ritrovato. I tratti inconfondibili di Cristo AA.VV.

Il volto ritrovato. I tratti inconfondibili di Cristo

Da dove nasce l’interesse per il Volto Santo e per i ritratti di Cristo lungo la storia della Chiesa? Perché fu necessario persino un Concilio a Nicea nel 787 per dirimere se fosse lecito o no venerare tali immagini? Ciò che è veramente in gioco, anche oggi, è il realismo della Incarnazione e il significatodi questo mistero per l’umano. Infatti, il rapporto che Dio ha voluto con l’uomo non è affidato alla nostra fantasia religiosa. Egli si è veramente «fatto carne» (Gv 1, 14). Dio non si è genericamente unito all’umanità. Il Mistero è diventato uno fra noi.Ma perché cerchiamo il suo volto? Perché non smettiamo di cercarlo dopo averlo trovato? Quale attrattiva suscitano sul cuore dell’uomo i suoi tratti inconfondibili? A questa domanda risponde in modo suggestivo Karol Wojtyła nella sua poesia sulla Veronica: «nacque il tuo nome da ciò che fissavi». In questa espressione è custodito il mistero di un incontro dal quale nasce il nostro nome. Nella sacra Scrittura il nome indica la realtà propria della persona, il suo carattere irripetibile. Fissare quel volto è trovare il proprio nome, è ritrovare se stessi dall’Introduzione di padre Paolo Martinelli, OFM Cap].

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Il lungo treno di John Cage Inkyung Hwang

Il lungo treno di John Cage

L’arte contemporanea raccontata con lo sguardo di un’artista orientale che da anni studia la cultura occidentale, esplorando le sinergie tra arte e musica.L’autrice parte da Kandinsky e Schönberg, segue con passione le tracce di Duchamp, Cage e degli artisti di Fluxus, l’intreccio delle loro storie artistiche e personali. Giunge fino a Nam June Paik, padre della videoart.Con sguardo minimalista, in linea con i principi di Fluxus, disegna, attraverso gli incontri e le amicizie tra i vari autori, il ritratto appassionante di un’epoca e dei suoi protagonisti.Siamo tutti invitati a salire sul treno di John Cage! Il musicista è motore ideale di un veicolo immaginario che raccoglie e trasporta chi è pronto a partire per l’emozionante avventura dell’arte, della musica e della vita.

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IL LIBRO BIANCO Rafael Horzon

IL LIBRO BIANCO

Horzon, il protagonista-autore de "Il libro bianco", segue un corso di Jacques Derrida a Parigi, è perseguitato dalla signora Sarasate, vive una serie interminabile di avventure a Berlino, gira un film con un cane rosa, apre una galleria giapponese immaginaria, crea i “Mobili Horzon” e fa concorrenza all’Ikea, fonda un’accademia delle scienze inutili, concepisce una cravatta che parte dal collo e sale sulla testa, rifonda un sistema decimale, apre una libreria mono-libro, fonda un’agenzia per i divorzi. E dice che è tutto vero! Sogno o realtà? Beffa o raccontomistico? Ecco la picaresca biografia di un imprenditore o... di un creativo in tempo di crisi?

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Il Lago Curzio e le sue leggende Ersilia Caetani Lovatelli

Il Lago Curzio e le sue leggende

"Il Lago Curzio e le sue leggende" è il sesto e-book della collana "Il Salotto di Ersilia". Questa volta la Contessa ci porta fra le pagine della Roma arcaica, in particolare quelle legate al personaggio di Marco Curzio e al lacus che da questi trae il nome.Si narra che nel Foro si aprisse una voragine e che i sacerdoti interpretassero il fatto come un segno di sventura. Per far sì che questa si richiudesse, occorreva gettare in quel baratro quanto di più prezioso il cittadino romano possedesse. Così Marco Curzio, valoroso guerriero, convinto che il bene supremo fosse la vita, si gettò armato e a cavallo nella voragine, sacrificando se stesso e salvando Roma.La studiosa riporta questa e le altre versioni della vicenda, che nel tempo subì delle modifiche mescolandosi ad altre storie, recuperando anche la documentazione artistica di riferimento. Questa rappresenta la prima edizione digitale vera e propria del testo, costruita con la cura e l’attenzione che sempre sono richieste nella trasmissione del sapere. Il Salotto di Ersilia è il nome che abbiamo scelto per la collana che raccoglie i lavori di Ersilia Caetani Lovatelli, in un progetto di digitalizzazione atto a preservare, valorizzare e diffondere i suoi studi. Vuole essere un luogo di cultura in cui riscoprire i tesori che l’archeologa ci ha lasciato, attraverso gli articoli e i saggi redatti nel corso di una vita culturale vivace e operosa; un luogo virtuale che, tuttavia, riprende l’immagine affascinante di quel salotto reale, che la contessa fece divenire un punto di incontro importante per gli artisti e i letterati dell’epoca, italiani e stranieri.

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Il fotografo equilibrista. Manuale di acrobazie per comunicare con le immagini Sara Munari

Il fotografo equilibrista. Manuale di acrobazie per comunicare con le immagini

Cosa si deve conoscere, oltre la tecnica, per diventare bravi fotografi e sapere trasformare intento e idea in una buona immagine che riesca a comunicare ciò che avete nella testa?La grammatica delle immagini combina regole tecniche e compositive, elementi espressivi, qualità della luce e tipologie di ritocco.Dopo Il portfolio fotografico. Istruzioni imperfette per l’uso (emuse), testo sulla costruzione di un racconto fotografico, Sara Munari sperimenta un nuovo modo di insegnare la comunicazione visiva utilizzando le proprie immagini, i soggetti e gli argomenti del suo fotografare, che diventano materia su cui riflettere.Le fotografie si trasformano in uno strumento su cui è possibile annotare messaggi, suggerire stimoli e fornire preziose indicazioni teoriche e consigli pratici per imparare a “vedere” e “comunicare fotograficamente”.Il manuale contiene 160 immagini, molti esercizi e dimostrazioni concrete di come sia possibile modificare l'intento comunicativo intervenendo su una fotografia anche solo con piccoli accorgimenti.

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Il fotografo e la bambina Dario Lanzardo

Il fotografo e la bambina

Darlo Lanzardo vive e realizza la fotografia come una forma di narrazione. Per spiegarci la sua filosofia di artista ha scelto dunque il genere letterario più vicino alla sua sensibilità fotografica, ovvero il racconto, che qui costruisce intorno a una o più immagini. Ne è nato un libro originale, di quel genere ibrido fra saggistica e narrativa che spezza i vecchi schemi letterari. "Il fotografo e la bambina" si rivolge non solo a tutti gli appassionati di fotografia, ma anche a chi, soffermandosi a osservare uno scatto che lo colpisce, si chiede per un istante quale intreccio ci sia fra quell'attimo sospeso per sempre, l'occhio del fotografo e la propria percezione dell'immagine. Questi quindici "racconti con immagine" nascono tutti da un'esperienza autobiografica che viene poi dilatata dalla finzione: in ciascuno viene trattato un tema particolare, dai più aspri, come la critica all'uso ideologico della fotografia nei conflitti sociali, ai più enigmatici, come il peso delle immagini rimaste latenti, ai più delicati, come il rapporto fra i bambini e l'interpretazione della loro immagine. Nei racconti avviene spesso una specie di scostamento che fa sì che il "personaggio" non sia più il soggetto dell'immagine ma l'immagine stessa, seppure con un continuo rimando al suo "contenuto di verità".

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Il circo dell'arte e del dolore Eva Gudrún Mínervudóttir

Il circo dell'arte e del dolore

Yosoy è un’insolita compagnia teatrale insediatasi nell’antico lanificio di Álafoss, nei dintorni di Reykjavik. Sembra che alcune esibizioni rasentino il miracoloso e gli artisti sappiano superare ogni limite fisico. Un romanzo struggente sulla natura del dolore e della sensibilità, in cui reale e surreale si fondono in maniera magistrale dando vita a un mondo onirico, come in un grande film di David Lynch.La voce della scrittrice-icona della letteratura islandese nel mondo secondo la Buchmesse 2011.

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I giornali nel mondo romano Ersilia Caetani Lovatelli

I giornali nel mondo romano

I giornali, che molti credono un’invenzione moderna, ebbero corso presso i Romani sin dagli ultimi tempi della Repubblica. Si trattava di pubblicazioni ufficiali e regolari che contenevano tanto gli Atti del Senato quanto la cronaca quotidiana dei fatti che succedevano a Roma; inoltre, molto spazio era occupato dai fatti memorabili e portentosi. Erano molto letti, ma il più delle volte non contenevano se non quello che il potere riteneva opportuno divulgare, con una diffusione che raggiungeva tutte le parti dell’Impero. Questa rappresenta la prima edizione digitale vera e propria del testo, costruita con la cura e l’attenzione che sempre sono richieste nella trasmissione del sapere.

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I giardini degli Acilii Ersilia Caetani Lovatelli

I giardini degli Acilii

I giardini della gens Acilia si trovavano a Roma, nella zona del Pincio. Tra i ritrovamenti e le iscrizioni, la storia e le superstizioni, in un confronto continuo fra antico e nuovo, Ersilia Caetani Lovatelli ci conduce in una passeggiata nel tempo e nello spazio: una narrazione fluida e piacevole, in cui l’archeologa mescola abilmente tecnica e meraviglia, stimolando la lettura, la ricerca e persino un ritorno sui luoghi descritti.Questa rappresenta la prima edizione digitale vera e propria del testo, costruita con la cura e l’attenzione che sempre sono richieste nella trasmissione del sapere."Il Salotto di Ersilia" è il nome che abbiamo scelto per la collana che raccoglie i lavori di Ersilia Caetani Lovatelli, in un progetto di digitalizzazione atto a preservare, valorizzare e diffondere i suoi studi. Vuole essere un luogo di cultura in cui riscoprire i tesori che l’archeologa ci ha lasciato, attraverso gli articoli e i saggi redatti nel corso di una vita culturale vivace e operosa; un luogo virtuale che, tuttavia, riprende l’immagine affascinante di quel salotto reale, che la contessa fece divenire un punto di incontro importante per gli artisti e i letterati dell’epoca, italiani e stranieri.

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I Fratelli Arvali e il loro santuario e bosco sacro sulla via Campana Ersilia Caetani Lovatelli

I Fratelli Arvali e il loro santuario e bosco sacro sulla via Campana

"I Fratelli Arvali e il loro santuario e bosco sacro sulla via Campana" è il quarto e-book della collana "Il Salotto di Ersilia" e rappresenta uno studio molto importante, poiché l’autrice è riuscita a dare forma e sostanza alle sue ricerche nonostante la scarsa presenza di fonti, come sottolinea ella stessa; sappiamo, però, che quello dei Fratelli Arvali fu uno dei sacerdozi romani più famosi e illustri, formato in origine, secondo la leggenda, dai dodici figli di Acca Larentia, nutrice di Romolo. Attraverso la lettura di questo testo, potrete conoscere il modo in cui veniva composto, le divinità principali del culto, i riti, sin nel dettaglio, e i luoghi in cui questi venivano praticati. I contenuti sono, come sempre, approfonditi e divulgativi allo stesso tempo, arricchiti con quegli aneddoti e quelle curiosità che affascinano e restano vividi nella memoria. Questa rappresenta la prima edizione digitale vera e propria del testo, costruita con la cura e l’attenzione che sempre sono richieste nella trasmissione del sapere. "Il Salotto di Ersilia" è il nome che abbiamo scelto per la collana che raccoglie i lavori di Ersilia Caetani Lovatelli, in un progetto di digitalizzazione atto a preservare, valorizzare e diffondere i suoi studi. Vuole essere un luogo di cultura in cui riscoprire i tesori che l’archeologa ci ha lasciato, attraverso gli articoli e i saggi redatti nel corso di una vita culturale vivace e operosa; un luogo virtuale che, tuttavia, riprende l’immagine affascinante di quel salotto reale, che la contessa fece divenire un punto di incontro importante per gli artisti e i letterati dell’epoca, italiani e stranieri.

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Goya incisore. La fucina della modernità Michele Tavola

Goya incisore. La fucina della modernità

Con Goya incisore. La fucina della modernità, emuse propone nella collana Impronte un nuovo brillante testo critico di Michele Tavola dedicato alla produzione incisoria di Goya, celebre artista spagnolo degli inizi del XIX secolo. Il testo, corredato dalle schede di alcune tra le più interessanti delle sue incisioni, ripercorre la formazione, la carriera e gli alterni successi di critica e commerciali. Testimone attento degli avvenimenti storici del proprio tempo, curioso sperimentatore di tecniche grafiche e pittoriche, Goya è certamente un tassello fondamentale per comprendere la pittura dell’800, ma anche un punto di riferimento per le generazioni successive che sapranno, meglio dei suoi contemporanei, riconoscere il valore etico e artistico della sua opera.L’ebook contiene:un testo critico che illustra le tappe principali della formazione artistica di Goya;una selezione di opere corredate da una scheda tecnica e da una lettura storica e stilistica dell’immagine;una bibliografia minima.

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Gli amici di Bernhard Annemarie Schwarzenbach

Gli amici di Bernhard

Questo lieve e folgorante romanzo è il ritratto in movimento di un’inquieta e raffinata brigata di giovani artisti che, sul finire degli anni Venti, vivono con spregiudicata intensità i loro amori, desideri e turbamenti.Bernhard, che studia musica e sogna di evadere da una realtà troppo ristretta, ne è il magnetico ma inconsapevole punto focale. Intorno a lui vortica una variegata esistenza corale alimentata da prove tecniche di storie d’amore e complesse dipendenze affettive, da generosi slanci e precarie velleità. Una giovinezza alla ricerca della propria identità, sia sociale che sessuale, e del proprio posto nel mondo, in un rocambolesco susseguirsi di viaggi ed esperimenti di vita tra Parigi, Zurigo, Berlino e Firenze.Annemarie Schwarzenbach, con un’empatia e una freschezza irresistibili, mette in scena in presa diretta l’epopea della gioventù, mostrandoci cosa sia davvero l’età seria e libera del coraggio, degli entusiasmi da non tradire, delle scelte da non revocare, ma anche degli errori da perdonare. Un romanzo di insopprimibile vitalità.Gli amici di Bernhard viene tradotto per la prima volta nella nostra lingua per questa edizione delL’orma editore.

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Ebraismo e architettura Bruno Zevi

Ebraismo e architettura

Esiste un’arte ebraica? È prodotto esclusivo di artisti ebrei, o invece con gura un orientamento valido anche per non-ebrei? Tra gli agelli della sinistra europea c’è il contrasto tra comunismo e sionismo. L’intolleranza marxista persiste bruciando ogni tentativo di revisione. I numerosi disegni rinvenuti nei campi di sterminio pongono il quesito: quali vincoli legano i martiri che li hanno tracciati ai linguaggi artistici dell’epoca? Un bambino ebreo è assassinato. In una drammatica seduta in Campidoglio, l’accusa tremenda al mondo cattolico, all’antisemitismo comunista, alla viltà dello Stato. La diaspora può esser vista: a) come valore del passato, b) come convivenza tra attualità e retaggio storico; c) come impulso a in uenzare la cultura internazionale. In un’ipotetica quarta interpretazione, le eresie di Einstein, Freud e Schönberg permeano il quotidiano. Quanto è accaduto nella letteratura ebraico-americana si rimette oggi nel campo architettonico. Dominano figure anomale, eversive, comunque immuni da idolatrie linguistiche. Questi i temi roventi dei saggi qui raccolti.La nuova edizione di Ebraismo e architettura viene pubblicata in occasione del centenario dalla nascita di Bruno Zevi. Con un testo inedito e un documento donato dall’archivio di Daniel Libeskind questa raccolta di testi zeviani rimane attuale e di grande interesse per capire a tutto tondo l’identità del grande architetto ebreo romano.

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Catalogo Festival della fotografia etica 2018 Festival della Fotografia Etica

Catalogo Festival della fotografia etica 2018

FESTIVAL DELLA FOTOGRAFIA ETICA 2018Il catalogo del Festival della fotografia etica è curato dalla casa editrice emuse e permette di riassaporare le mostre di fotoreporter di livello internazionale e di elevato contenuto etico.Il Festival presenta anche quest’anno il World.Report Award, un'iniziativa che si propone di offrire un contributo concreto a chi, già impegnato nel difficile campo del fotoreportage sociale e documentario si adopera per diffondere un tipo di fotogiornalismo più sensibile alle esigenze della società civile che alle logiche di mercato e quest’anno presenta cinque premi distinti. Il catalogo contiene un estratto dei lavori dei reportage fotografici di altissimo livello e pluripremiati ed è in edizione bilingue italiano e inglese.FESTIVAL OF ETHICAL PHOTOGRAPHY 2018 Since 2010 the association Gruppo Fotografico Progetto Immagine has organized the Festival of Ethical Photography, an event that investigates ethical issues through photography, hosting exhibits by international photojournalists. The catalogue contains a selection of the award-winning works of the photographers of the 2018 edition and is in Italian and English.

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Catalogo Festival della Fotografia Etica 2016 Festival della Fotografia Etica

Catalogo Festival della Fotografia Etica 2016

Il Gruppo Fotografico Progetto Immagine, che da anni organizza a Lodi il Festival della Fotografia Etica, quest'anno ha assegnato a emuse il compito di realizzare il catalogo della manifestazione.Il Festival intende approfondire contenuti di grande rilevanza etica attraverso la fotografia, ospitando mostre di fotoreporter di livello internazionale. Nel 2011, il Gruppo dà vita al World.Report Award, un'iniziativa che si propone di offrire un contributo concreto a chi, già impegnato nel difficile campo del fotoreportage sociale e documentario, o desideroso di entrare a farne parte, si adopera per diffondere un tipo di fotogiornalismo più sensibile alle esigenze della società civile che alle logiche di mercato. Il catalogo presenta tutti i lavori dei 19 fotografi presenti all'edizione 2016 del Festival, si tratta di reportage fotografici di altissimo livello e pluripremiati.Il catalogo è in edizione bilingue italiano e inglese.Since 2010 the association Gruppo Fotografico Progetto Immagine has organized the Festival of Ethical Photography, an event that investigates ethical issues through photography, hosting exhibits by international and award-winning photojournalists. In 2011 the association created the World.Report Award with the purpose of providing support to those committed to the challenging world of documentary and social photojournalism. The goal is to create sensitivity and awareness through photojournalism, dedicated to expressing needs of society without the impact of commercialism. The catalogue contains award-winning works of the 19 photographers of the 2016 edition of the Festival. The works are award-winning.

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A piedi, in bicicletta Fabio Pierangeli, Erri De Luca

A piedi, in bicicletta

Erri De Luca. Un colloquio e tre racconti sulla sua idea di viaggio, il suo amore per le montagne e le sue incursioni a piedi nella Sarajevo martoriata dai bombardamenti NATO. Grandi racconti di uno dei migliori scrittori italiani. Completa il volume una raccolta di testi di Fabio Pierangeli sulla bicicletta, sull'andare lento in giro per l’Italia e per il mondo. I racconti sono illustrati da 10 splendidi disegni di Piero Pizzi Cannella realizzati per l’occasione e pubblicati a colori.

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Amore e Psiche Ersilia Caetani Lovatelli

Amore e Psiche

Il mito di Amore e Psiche racconta una favola bellissima, ricca di quei simboli che sono stati riproposti in vario modo sia nell’arte antica che in quella più recente. La vicenda, che “principia a guisa di una novella di fate”, la conosciamo già tutti per averla letta in Apuleio, ma ciò di cui dobbiamo essere grati all’autrice è l’indagine sugli aspetti religiosi, simbolici e artistici legati a questa affascinante e misteriosa storia. Ancora una volta, vi affidiamo alle parole della contessa, certi che ne rimarrete incantati e che, una volta terminata la lettura, vorrete ricercare le opere da lei descritte e tornare a leggere di quel mito antico.Questa rappresenta la prima edizione digitale vera e propria del testo, costruita con la cura e l’attenzione che sempre sono richieste nella trasmissione del sapere.Il Salotto di Ersilia è il nome che abbiamo scelto per la collana che raccoglie i lavori di Ersilia Caetani Lovatelli, in un progetto di digitalizzazione atto a preservare, valorizzare e diffondere i suoi studi. Vuole essere un luogo di cultura in cui riscoprire i tesori che l’archeologa ci ha lasciato, attraverso gli articoli e i saggi redatti nel corso di una vita culturale vivace e operosa; un luogo virtuale che, tuttavia, riprende l’immagine affascinante di quel salotto reale, che la contessa fece divenire un punto di incontro importante per gli artisti e i letterati dell’epoca, italiani e stranieri.

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Imparo l'arte della grafica Robin Williams

Imparo l'arte della grafica

LA FORZA DELLA COMUNICAZIONE VISIVA: UN USO SAPIENTE DELLA GRAFICA PUÒ RENDERE QUALSIASI MESSAGGIO IMMEDIATO E PERSUASIVO • Come realizzare un volantino per promuovere l’attività di un’azienda nel modo più efficace? • Come potenziare l’impatto di una pagina web? • Come arricchire una ricerca scolastica o una tesi? In questo manuale, concepito appositamente per chi non ha specifiche competenze grafiche, Robin Williams espone i principi fondamentali da seguire nel design e nella tipografia: grazie alle sue spiegazioni semplici ed esaurienti, corredate da esercizi di progettazione, quiz, illustrazioni e decine di esempi, chiunque sarà in grado di produrre pagine con testi chiari e professionali.

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Sembra una fotografia! Mark Crilley

Sembra una fotografia!

IL DISEGNO IPERREALISTA: IL NUOVO FENOMENO DELLA RETE SPIEGATO DAL RE DEI TUTORIAL – 250 MILIONI DI VISUALIZZAZIONI SU YOUTUBE


30 LEZIONI DAL PIÙ SEGUITO MAESTRO DI YOUTUBE PER IMPARARE LA NUOVA TECNICA CHE IMPAZZA SUL WEB


L’iperrealismo è la raffigurazione estremamente precisa delle cose che ci circondano.
Con pochi semplici strumenti – carta, acquerelli, matite, pennelli, gouache – Mark Crilley ci mostrerà come disegnare in modo più realista della realtà.
I suoi 30 progetti di riproduzione iperrealistica ci insegneranno a trattare gli aspetti pittorici fondamentali: ombreggiatura, colore, punti luce, superfici trasparenti in vetro o plastica, composizioni di materiali diversi. Alla fine, il risultato sarà sorprendente: accostando l’oggetto vero alla sua riproduzione, le forme dipinte rifletteranno quelle reali come in uno specchio!

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Imparo a dipingere Barrington Barber

Imparo a dipingere

IL CORSO PIÙ COMPLETO ED EFFICACE PER APPRENDERE L’ARTE DELLA PITTURA Con un linguaggio chiaro e comprensibile a tutti ed esercizi di difficoltà graduale (ispirati anche ai principali movimenti pittorici) Barrington Barber insegna al lettore ad applicare le principali tecniche della pittura – acquerello, tempera, acrilico, olio – e a realizzare un ampio ventaglio di soggetti: nature morte, paesaggi, animali, ritratti, architetture. • Il testo ideale per chi vuole diventare un pittore completo: le tecniche principali spiegate attraverso gli esempi dei grandi artisti antichi e moderni. • Tutte le informazioni su materiali, stili e metodologie.

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Imparo a disegnare. Corso avanzato per aspiranti artisti Barrington Barber

Imparo a disegnare. Corso avanzato per aspiranti artisti

Questo volume è il seguito ideale di Imparo a disegnare. Corso professionale completo per aspiranti artisti nel quale Barrington Barber ha offerto un primo percorso di apprendimento a milioni di persone. Qui l’autore, sfruttando la sua straordinaria esperienza didattica, accompagna i lettori alcuni passi più in là nella conquista delle competenze grafiche. Come ben sa chi ha letto il primo volume, quanto più ci si esercita, tanto più si rimane sorpresi dai risultati. Ma più si diventa capaci, più aumentano le sfide che ci si propone di superare. In questo Corso avanzato Barber incoraggia a sviluppare la propria percezione visiva per imparare a esprimere al meglio le emozioni e mostra come trovare le soluzioni giuste attraverso l’applicazione di tecniche più avanzate. Corredato da una sezione su stili e tecniche e da oltre 370 illustrazioni, il testo è dedicato a chi: • sa già disegnare e vuole raggiungere traguardi più ambiziosi; • ha apprezzato il primo libro e assimilato le tecniche base del disegno; • ama le sfide.

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Imparo a disegnare a colori Barrington Barber

Imparo a disegnare a colori

Dopo i due manuali di successo Imparo a disegnare. Corso professionale completo per aspiranti artisti e Corso avanzato, Barrington Barber accompagna passo dopo passo il lettore nell’acquisizione di un’altra grande abilità: l’uso del colore. Con un linguaggio chiaro e discorsivo, l’autore illustra le quattro tecniche principali del disegno a colori: la matita colorata, i pastelli, gli inchiostri colorati e la pittura ad acquerello. Unendo grande perizia e incoraggiamento costante, attraverso una serie di esercizi di difficoltà graduale, Barber insegna a osservare, organizzare e rappresentare i più svariati soggetti. Gli aspiranti artisti potranno così comprendere la forza e il simbolismo dei colori e sperimentare nuove combinazioni, privilegiando l’armonia o il contrasto, per esprimere al meglio le proprie emozioni. Corredato da una sezione su materiali e tecniche e da oltre 300 illustrazioni, Imparo a disegnare a colori è il testo ideale per chi ha assimilato le tecniche base del disegno e vuole diventare un artista completo.

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Imparo a disegnare Barrington Barber

Imparo a disegnare

Un percorso di apprendimento per chi desidera imparare a disegnare bene, indipendentemente dalle capacità di partenza: gli unici requisiti richiesti sono l’impegno, la costanza e la voglia di farcela. Le metodologie classiche del disegno sono spiegate con un linguaggio discorsivo ricco di consigli pratici, trucchi ed esempi. Tecniche e suggerimenti per disegnare meglio e 350 illustrazioni fondamentali. Imparo a disegnare è il testo ideale per ispirare chi ambisce a diventare un artista.

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Nero. Storia di un colore Michel Pastoureau

Nero. Storia di un colore

Per secoli, nella storia dell’Occidente, il nero è stato considerato un colore come qualsiasi altro. All’inizio dell’epoca moderna, grazie all’invenzione della stampa e alla diffusione dell’incisione e della riforma protestante, si è addirittura guadagnato uno statuto particolare, accanto al suo antipode, il bianco. Qualche decennio più tardi, però, la scoperta dello spettro cromatico da parte di Newton ha introdotto una nuova gerarchia dei colori, dalla quale erano esclusi sia l’uno sia l’altro. Giunti infine al XX secolo, grazie all’arte prima, al costume e infine alla scienza, il nero ha riconquistato finalmente il suo status originario. A questa lunga e affascinante storia del nero nelle società europee è dedicato questo libro di Michel Pastoureau. Esso mette l’accento sia sulle pratiche sociali legate al colore (linguaggio, tintura, abbigliamento, emblemi), sia sui suoi aspetti propriamente artistici. Un’attenzione particolare viene accordata alla simbologia ambivalente del nero, che può essere considerato in modo positivo (fertilità, umiltà, dignità, autorità) o negativo (tristezza, lutto, peccato, inferno, morte). E poiché non è possibile parlare di un colore isolandolo dagli altri, questa storia culturale del nero è anche, in parte, quella del bianco, del grigio, del marrone, del viola e anche del blu.

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Verde Michel Pastoureau

Verde

Colore ambiguo e capriccioso, il verde: da un lato simbolo di speranza, fortuna, natura e libertà, dall’altro tinta associata al veleno, al denaro e addirittura al diavolo. Giudizi altamente contrastanti, che si sono avvicendati nel corso dei secoli e che sono lo specchio di un cambiamento dell’orizzonte culturale della società che li ha prodotti. Ed è proprio questa evoluzione della nostra società al centro del nuovo saggio illustrato del grande storico francese Michel Pastoureau.
Terza tappa di un progetto di alto profilo, al pari dei due precedenti Blu e Nero, Verde è un’opera di ampio respiro, che spazia dall’arte alla scienza, al costume e che, di tassello in tassello, restituisce un altro affascinante e avvincente capitolo della storia dell’Occidente, dall’antichità ai giorni nostri.

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Blu. Storia di un colore Michel Pastoureau

Blu. Storia di un colore

Ormai è il colore preferito dalla maggior parte delle persone, eppure la storia ci insegna che non è sempre stato così: presso gli antichi Greci e Romani, per esempio, il blu aveva una connotazione fortemente negativa, tanto da essere associato agli spregevoli Barbari. A documentare la lenta ma progressiva inversione di tendenza che lo riguarda è un grande esperto in materia come Michel Pastoureau, che ripercorre le principali tappe di questo significativo rovesciamento e dà vita a un articolato excursus storico che mette in luce l’uso quotidiano, la «rivalità» con gli altri colori, il valore simbolico, il ruolo economico, artistico e letterario che il blu ha avuto dal Neolitico sino ai giorni nostri. Considerato un fatto sociale in piena regola, il blu e le sue alterne fortune rappresentano pertanto il ritratto in continuo divenire di una società, quella umana, costantemente impegnata a fissare e ridefinire la propria scala di valori.

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Il bello, il buono e il cattivo Demetrio Paparoni

Il bello, il buono e il cattivo

In questo appassionante tour de force, Demetrio Paparoni, fra i più attenti osservatori dell’arte contemporanea, ricostruisce i profondi e spesso gravi condizionamenti che la politica ha esercitato sulle arti visive dell’ultimo secolo. Critica d’arte, analisi sociale, cronaca e storia vi convivono felicemente, e il risultato è uno studio documentatissimo e di piacevole lettura. Leni Riefenstahl è stata realmente una grande artista? In che modo l’arte di Picasso è stata funzionale ai disegni del Partito comunista? Perché la CIA era interessata all’affermarsi dell’espressionismo astratto sulla scena mondiale e di New York come nuova capitale dell’arte? Cosa differenzia la politica culturale di Peggy Guggenheim da quella di François Pinault? Come funziona la censura sull’arte oggi in Cina? Questi sono solo alcuni degli interrogativi ai quali l’autore fornisce convincenti risposte.Muovendosi con leggerezza in oltre un secolo della nostra storia recente, e raccogliendo testimonianze spesso inedite dei protagonisti dell’arte contemporanea, Il bello, il buono e il cattivo giunge all’Italia dei nostri giorni e riserva al lettore ben più di una sorpresa. Un documento imperdibile per comprendere i rapporti fra potere e cultura.

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Lo splendore del nero Alain  Badiou

Lo splendore del nero

««Inchiniamoci all’erede di Platone: Badiou è il più grande filosofo vivente».»
Slavoj Žižek

Chi, durante l’infanzia, non ha fatto l’esperienza spaventosa di avanza­re a tastoni nella notte nera? Alain Badiou, il più celebre filosofo fran­cese, prende le mosse dai giochi infantili nel buio per esaminare, in brevi indimenticabili capitoli, le tante forme che il nero prende nel nostro immaginario e nella nostra cultura: il nero dell’inchiostro sulla carta, e quello delle fascette sui vol­ti nelle riviste pornografiche; il nero dei misteri cosmologici e il nero doloroso del lutto…
In questo libro di straordinaria intensità, il teatro intimo del grande pensatore diviene così occasione per un’esplorazione filosofica fatta di ricordi, di sottili ragionamenti, di improvvise – è il caso di dirlo – illu­minazioni, che coinvolgono la mu­sica, la pittura, la politica, il sesso, la metafisica. Il nero non è mai stato così luminoso.

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Cos'è un falso e altre conversazioni sull'arte Federico Zeri

Cos'è un falso e altre conversazioni sull'arte

Sono i falsi e i falsari il fulcro intorno a cui ruotano in questo libro le coinvolgenti e spiazzanti conversazioni di Federico Zeri, un grande storico dell'arte nel quale il rigore del filologo ha sempre convissuto felicemente con lo spirito erratico di un conoscitore senza pari. La sua è un'intelligenza cui nulla è estraneo perché tutto - dalla cucina alla moda, dall'arredamento al folclore - è espressione artistica. Incontreremo quindi in queste pagine Leonardo da Vinci e i fratelli van Eyck, Caravaggio e Rubens, ma anche il restauro e le differenze fra arte occidentale e arte russa, la natura morta e i grandi artisti del Novecento. Nell'officina affabulatoria di Zeri, par di toccare con mano, quasi sentire, gli odori dei colori, le tecniche, i pigmenti, i trattamenti cui venivano sottoposte le opere perché acquisissero la patina antica. Ma i falsari, anche i migliori (per i quali Zeri non nasconde la propria ammirazione), nonostante la loro abilità cadono sempre sullo stile, che è inimitabile e non può essere riprodotto. Come ci insegna Zeri, è impossibile immergersi nel passato al punto da poter replicare esattamente l'autentica sensibilità che gli corrisponde.

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Verso una architettura Corbusier Le

Verso una architettura

Con questo libro, apparso nel 1923 (e pubblicato la prima volta in Italia da Longanesi nel 1973), Le Corbusier avviò il suo irruente dialogo con il pubblico e gli architetti destinato a svilupparsi nei successivi quarant’anni in innumerevoli pubblicazioni e in opere costruite e progettate tra le più importanti dell’architettura moderna. Oltre a essere il primo e il più illustre testo della famosa collezione dell’«Esprit Nouveau», Verso una Architettura costituisce uno dei maggiori documenti della cultura parigina ed europea di quegli anni. Nella sua giovanile immediatezza, memore delle avanguardie d’anteguerra in tempi di rappel à l’ordre, il libro enuncia i fondamenti di una teoria architettonica di straordinaria modernità e singolare forza innovativa. Il rigore dell’impostazione si coniuga felicemente con una fantasia e una ricchezza intellettuale che investono, non solo sul piano tecnico ma anche su quello formale, ogni problema riguardante l’organizzazione dello spazio, nel quale si situano la casa e l’arredo urbano. Il richiamo alle forme della tradizione, viste nell’esemplarità di alcuni grandi maestri – Fidia e Michelangelo sopra tutti –, si coniuga con altri richiami, più consoni a rappresentare le esigenze e i valori dei tempi nuovi: le grandi opere di ingegneria e i mezzi di trasporto. In estrema sintesi, il tempio greco rivive nei treni, nelle automobili, negli aerei, nei piroscafi. «L’architettura è il gioco sapiente, rigoroso e magnifico dei volumi assemblati nella luce»: questa frase, espressione del lirismo logico di Le Corbusier, ha il suo naturale complemento in un’altra celebre formula: «La casa è una macchina da abitare». Ciò che fa da ponte tra le due enunciazioni e le unisce è, nella civiltà delle macchine, la funzione, la ...

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Il nuovo disegnare con la parte destra del cervello Betty Edwards

Il nuovo disegnare con la parte destra del cervello

Per molti aspetti, insegnare a disegnare è come insegnare ad andare in bicicletta. È molto difficile da spiegare a parole. Quando si cerca di insegnare a una persona ad andare in bicicletta, si dice: «Devi salire, spingere sui pedali, mantenerti in equilibrio, ed ecco che ti trovi ad andare». Naturalmente, questa non è affatto una spiegazione e probabilmente si finirà col dire: «Aspetta, ora salgo io in bicicletta e ti faccio vedere: guarda come faccio». Così è per il disegno. Saper disegnare dipende dal saper vedere nel modo in cui vede l’artista, e questo modo di vedere arricchisce straordinariamente la nostra vita.
TRADOTTO IN TREDICI LINGUE, CON OLTRE DUE MILIONI E MEZZO DI COPIE VENDUTE, TORNA, IN UN’EDIZIONE COMPLETAMENTE RIVISTA E AGGIORNATA, IL MANUALE PIÙ USATO AL MONDO PER IMPARARE A DISEGNARE.

Seguendo il rivoluzionario approccio al disegno che l’ha resa celebre, Betty Edwards ha aggiornato il suo notissimo manuale, migliorandolo in base ai recenti sviluppi della ricerca scientifica sul cervello e aggiungendo nuovo materiale sulle tecniche di disegno. Grazie a una serie di immagini esplicative, di suggerimenti pratici e di esercizi intesi a sviluppare la capacità di «vedere artisticamente», ossia di percepire la realtà non secondo gli schemi precostituiti della mente razionale (gestita dall’emisfero sinistro del cervello), bensì attraverso lo sviluppo delle categorie intuitive e della creatività (cui presiede l’emisfero destro), tutti, anche chi è convinto di non avere talento artistico, riusciranno a disegnare. E, soprattutto, impareranno a sviluppare il potenziale creativo e le innate doti artistiche di cui dispongono, mettendo a frutto capacità che potranno rivelarsi utili in ogni ambito della loro vita.

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La civiltà architettonica in Italia Cesare De Seta

La civiltà architettonica in Italia

Un lungo e appassionante viaggio nella storia dell’architettura italiana del secondo dopoguerra. Un itinerario ricco di legami e di scambi con le arti figurative, di relazioni (ma anche scontri) con la critica e la cultura dell’epoca, in cui Cesare de Seta illustra i percorsi biografici e professionali dei protagonisti della scena architettonica del secondo dopoguerra, da Ridolfi a Rogers, da Belgiojoso a Michelucci, da Samonà a Scarpa, da Albini a Gardella, generazione definita dall’autore come quella dei «maestri», che, tra rinnovamento e tradizione, hanno progettato case, edifici e spazi pubblici, ridisegnando il paesaggio urbano contemporaneo.
Dopo la Seconda guerra mondiale, l’architettura è andata incontro a fasi di profonda trasformazione, sotto il profilo funzionale, linguistico e tecnologico. È con la nascita della Repubblica, infatti, che il tema della ricostruzione si riverbera nel dibattito politico e accende polemiche e discussioni sulle più importanti riviste, da Metron a Comunità, da La Nuova Città a Domus, a Casabella. A partire dagli anni Sessanta va maturando una seconda generazione di architetti con interessi sempre più aperti verso gli Stati Uniti d’America. Tra le figure dal carattere più originale spicca Gino Valle, protagonista dell’architettura del «miracolo economico». Emergono poi Renzo Piano e Richard Rogers che con il Centre Pompidou a Parigi segnano la scena internazionale. E proprio Piano è l’esempio di un’architettura che resta ben ancorata alle radici italiane pur essendosi sviluppata in tutto il mondo.
Tenendosi lontano dalle trattazioni istituzionali e manualistiche, de Seta ci regala pagine dense di riferimenti e notizie, arricchite da foto e illustrazioni, che partono dall’eredità del ventennio fascista, illuminano il contrasto tra realismo e astrattismo degli anni Cinquanta, fino alla stagione del miracolo economico ...

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Il manuale del design grafico Daniele Baroni

Il manuale del design grafico

Diversi sono i mondi che si riconoscono nel «design», termine dal sapore ancora un po’ magico che si identifica con i vari soggetti della visualità: linea, forma, spazio, colore, effetti percettivi, tensione dinamica, tradizione cinetica, interazione, fino alla multimedialità intesa in senso multidisciplinare, aperta a nuovi orizzonti tecnologici e a un pensiero ideativo e teorico rigoroso, in armoniosa contaminazione fra diversi campi di ricerca.
Quali significati possono assumere oggi le definizioni di «design» e «comunicazione visiva» in uno scenario che comprende tutte le attività creative e progettuali? Hanno ancora un senso concetti come bidimensionalità o staticità formale nel mondo attuale, tendenzialmente fluido e sempre più proiettato verso la simulazione virtuale? Di fronte a tali interrogativi non rimane che ripensare tutto l’iter disciplinare dalle sue fondamenta, al fine di ricostruire percorsi e metodologie, nel tentativo di individuare nuovi strumenti di applicazione e sviluppo per il design grafico.

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Lettere a Theo Vincent Van Gogh

Lettere a Theo

«Caro Theo...»: dall’agosto 1872 fino al 27 luglio 1890, due giorni prima di morire, Vincent Van Gogh scrisse al fratello con una costanza che trova il solo termine di paragone nell’amore che egli nutriva per lui. Da sempre interlocutore privilegiato dell’artista, nonché il primo a riconoscerne la grandezza, per lungo tempo Theo fu l’unico a cui Vincent confidò le pene della mente e del cuore. «Se non avessi Theo» scriveva, «mi sarebbe impossibile dedicarmi al mio lavoro; ma poiché mi è amico farò ancora progressi e continuerò.» Queste lettere ci permettono di seguire, quasi quotidianamente, la vicenda artistica e umana del grande pittore e costituiscono, ancora oggi, il miglior viatico per un approccio alla sua incredibile produzione. Un’altissima testimonianza morale, una professione di credo estetico forse senza eguali in tutta la storia dell’arte.

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Architettura e felicità Alain de Botton

Architettura e felicità

«C’è un che di straordinario in Alain de Botton. Combatte la guerra contro il conformismo con armi e tattiche tutte sue: è erudito ma non minaccioso, ha curiosità e sensibilità. Guida il lettore verso la piena comprensione delle cose, miscelando la giusta dose di forza espressiva e moderazione. Architettura e felicità possiede tutti gli elementi di questa formula vincente.»
THE INDEPENDENT

Se riteniamo che la qualità dell’ambiente in cui viviamo sia fondamentale per il nostro benessere, non possiamo non interrogarci sul rapporto tra architettura e felicità. Ma da dove cominciare? Oggi, a differenza dei secoli passati, siamo consapevoli dell’impossibilità di individuare una misura del bello assoluta e riproponibile all’infinito, senza tener conto delle tradizioni locali e della sensibilità dei committenti. Se le ville palladiane rappresentano un ineguagliato modello di equilibrio architettonico, una recente villa costruita a Londra secondo gli stessi canoni suscita più sconcerto che ammirazione. E non erano affatto contenti i signori Savoye, per cui Le Corbusier progettò la famosa villa di Poissy: il capolavoro dell’architetto modernista si rivelò ben presto inabitabile. D’altro canto, invece, accostamenti inediti di forme, materiali e stili possono essere fonte di piacere e serenità. Attraverso una ricca casistica e insieme facendo ricorso alla verve del narratore, De Botton indaga, nella molteplicità delle sue sfaccettature, l’influenza del design sull’essere umano, design che suscita sensazioni e riflessioni, modifica l’umore, fornisce stimoli al miglioramento. Imparando a ritrovare in edifici e oggetti doti e qualità presenti anche nell’uomo avremo dunque l’occasione di conoscere meglio noi stessi. È questa, dopotutto, la fonte della vera felicità.

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Metropoli per principianti Gianni Biondillo

Metropoli per principianti

Per parlare di città e di territorio usiamo, spesso a sproposito, termini generici o denominazioni desuete (città, campagna, centro, periferia), oppure ci lasciamo affascinare da parole d’ordine (i «non luoghi») che comprendiamo poco ma che danno illusori tocchi di contemporaneità ai nostri discorsi. Critichiamo la città del Novecento, ma non conosciamo i nomi di chi l’ha sognata, progettata, costruita. Discutiamo di marginalità e di sicurezza per sentito dire, raramente in presa diretta. Viviamo le trasformazioni da dilettanti, con categorie critiche vecchie di un secolo. Abitiamo le nuove metropoli italiane, delle quali neppure ammettiamo l’esistenza, come dei principianti, pieni di nostalgia per un passato che non abbiamo mai conosciuto davvero. Di questo e di molto altro Gianni Biondillo parla nel suo libro. Lo fa, innanzitutto, da architetto quale è, come tecnico attento alle dinamiche urbane. Ma soprattutto lo fa da scrittore, usando la lingua che abbiamo imparato a conoscere in questi anni, fuori da tecnicismi e accademismi, cercando di raccontare a tutti quanto il nostro paesaggio sia radicalmente mutato. E quanto vicine (ma anche distanti) siano le due discipline che da sempre lo affascinano: l’architettura e la letteratura. Quasi che questa raccolta di saggi sia, in un certo senso, un «manuale d’istruzioni» per comprendere appieno i suoi romanzi.

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Il caso Rembrandt Tzvetan Todorov

Il caso Rembrandt

«Meglio di un romanzo per chi voglia capire un artista come Rembrandt.»
«Internazionale» - Goffredo Fofi

Trovandoci davanti all’opera di un grande maestro, oltre ad ammirare la perfezione delle forme o interrogarci sul significato di ogni immagine, speriamo di scorgervi qualche indizio che getti luce su uno dei più affascinanti segreti delle attività umane: il processo creativo. Quali sono le condizioni perché scaturisca un’opera destinata a imporsi a livello universale? Qual è la relazione fra vivere e creare? Nel sollevare con discrezione il velo che avvolge questo mistero, Tzvetan Todorov sceglie come punto di partenza la storia del più famoso pittore del XVII secolo, Rembrandt: descrive la lezione umana che traspare dai suoi quadri e dalle sue incisioni correlandola con quanto conosciamo dei suoi rapporti con le donne, i figli, la famiglia, la vita. E ripercorre il secolare dialogo dell’arte con la morale e la realtà, per affermare idealmente, nelle parole della filosofa e scrittrice Iris Murdoch, che «la relazione dell’arte con la verità e con il bene dev’essere lo scopo fondamentale di ogni seria critica».

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Interstizi Franco Rella

Interstizi

Il dissidio tra arte e filosofia è, come ha detto già Platone, antico e si è via via rinnovato nella storia della cultura Occidentale. In realtà sui confini di questa contesa si sono aperti interstizi, spazi in cui il pensiero concettuale e quello «per figure» si sono confrontati e spesso intrecciati proponendo, soprattutto dopo Nietzsche e nella nostra modernità, le forme più radicali e significative del pensiero. Questo libro è l’esplorazione di questi spazi e di queste forme in cui la tensione critica scopre qui, pur nelle differenze, uno stesso pathos del pensiero: una passione che interroga la tentazione del silenzio della poesia come della filosofia, quando la parola sembra non avere più presa sulla realtà o di fronte all’inafferrabilità delle cose, o dell’esperienza della soggettività, o del tempo, o ancora della morte. Nel tempo in cui si predica l’implosione e la fine della metafisica scopriamo la valenza propriamente metafisica di queste forme, un luogo in cui la parola resiste e tende ancora accanitamente a una verità possibile.

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Cattedrali Luca Doninelli

Cattedrali

Il Muro del Pianto a Gerusalemme e Harrods a Londra, la Città Proibita a Pechino e il Grand Central Terminal di New York, Les Halles a Parigi e la Sagrada Família a Barcellona... Tutti edifici in cui si condensa lo spirito di una città: quando siamo lì, noi e quel luogo ci sentiamo una cosa sola. Perché in quei luoghi avvertiamo - o ci pare di avvertire - qualcosa che va al di là di noi, e che in qualche misura ci trascende. Non importa se tra quelle pareti si onora un dio. L'importante è che questi luoghi ci impongono un diverso punto d'equilibrio nel rapporto tra noi e lo spazio circostante: perché lì vibra la vita, con le strade e le case intorno. Perché lì sono arrivati, per secoli o millenni, i pellegrini, e ora arrivano i turisti, la loro incarnazione moderna. Perché lì s'incontrano e si scontrano la terra su cui camminiamo e l'azzurro del cielo: un cielo che a volte incombe su di noi e ci schiaccia, mentre altrove sembra attrarre a sé quegli edifici, e noi con loro. Quella che conduce Luca Doninelli è una straordinaria riflessione sul paesaggio: il paesaggio urbano, innanzitutto, ancora più cruciale ora che oltre la metà della popolazione mondiale vive nelle città. Ma ci insegna a fotografare anche il paesaggio umano, e l'orizzonte culturale in cui viviamo oggi, disorientati e curiosi. Cattedrali è dunque anche un'educazione allo sguardo, che allarga la prospettiva: per farci cogliere meglio, raccontando questi luoghi e le loro storie, il rapporto che lega la storia dell'umanità al senso più profondo dell'esistenza per ciascuno di noi.

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Le arti multimediali digitali Annamaria Monteverdi, Andrea Balzola

Le arti multimediali digitali

Le arti multimediali digitali offre una ampia e approfondita panoramica dell’impatto delle nuove tecnologie elettroniche sulle diverse arti, sul ruolo e la funzione dell’artista e del pubblico, oltre che sulle moderne teorie estetiche e della comunicazione. Il processo di digitalizzazione dei dati, a partire da uno standard condiviso da creatori, utenti e macchine, non porta solo a una integrazione tecnica tra i vari media (libri, giornali, cinema, televisione, radiofonia, eccetera), ma permette e suggerisce anche una contaminazione estetica tra le varie forme espressive. Le inedite possibilità offerte dalla tecnologia rilanciano l’interazione creativa tra le diverse arti cercata da molte utopie estetiche moderne, da Wagner alle avanguardie storiche, dalle performance intermediali o transmediali alle varie declinazioni dell’arte elettronica. Attraverso la riflessione e le testimonianze di studiosi e artisti, Le arti multimediali digitali risale fino alle radici storiche e culturali dell’estetica contemporanea, per poi esplorare le diverse forme di fusione e contaminazione tra discipline diverse. La seconda parte è dedicata a una panoramica dell’impatto delle tecnologie elettroniche sulle diverse arti (arti visive e performative, fotografia, cinema, danza, musica, teatro, videoarte e videoambienti, letteratura ipertestuale, computer e net art, arte interattiva e robotica). L’ultima parte offre una selezione delle opere più emblematiche e una corposa antologia commentata che permette di delineare una estetica delle arti tecnologiche e multimediali. Sullo sfondo, i complessi e affascinanti rapporti tra arte e tecnica, tra innovazione tecnologica e invenzione comunicativa e linguistica, tra continuità e rottura, tra ricerca e formazione, forniscono continui spunti di riflessione e inedite prospettive di indagine e di interpretazione.

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Design Francesco Trabucco

Design

Se ci mostrassero una serie di immagini di prodotti industriali – automobili, elettrodomestici, computer, cellulari – e ci chiedessero di metterle in sequenza cronologica, è probabile che non sbaglieremmo, anche se ignorassimo i requisiti tecnici e prestazionali di quegli oggetti. A guidarci basterebbe la loro forma, segnale inequivocabile di maggiore o minore attualità. L’alleanza tra la forma e il tempo di cui diventa espressione è insieme ragion d’essere e principio regolatore del design. Discendente dalla nobile schiatta dell’architettura e dalla meno titolata arte manifatturiera, il design ha dato corso alla sua natura di figlio ribelle, febbrilmente votato all’innovazione, tra guizzi autoriali e consapevolezza dei vincoli tecno-economici posti alla sua peripezia intellettuale, e sempre in fuga dall’etichettatura metodologica e disciplinare. Francesco Trabucco, che lo pratica e lo insegna, ed è in materia un’autorità internazionale, proprio dal carattere sfuggente del design riesce a ricavare il suo identikit. Per tracciarlo occorre sfogliare l’intero vocabolario del nuovo fiammante. Il lavoro di design infatti attribuisce nuove qualità estetiche ad artefatti materiali o digitali già esistenti, ne inventa di nuovi, allestisce nuovi scenari d’uso per le merci, compila nuovi prontuari di senso per comportamenti inediti, si avventura a progettare addirittura l’esperienza nei nuovissimi territori virtuali. Un po’ artigiano, un po’ artista, ma soprattutto soggetto collettivo che risponde alle logiche e alle strategie di impresa, il designer oggi si riconoscerebbe a stento nel creativo puro celebrato dalla mitologia della modernità. Assomiglia molto di più all’ultimo approdo della progettazione, la «piattaforma di prodotto»: un palinsesto aperto, in continuo aggiornamento, che anticipa e integra le sollecitazioni del mercato.

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La morte ci fa belle Francesca Serra

La morte ci fa belle

«Non c’è niente di più poetico al mondo della morte di una bella donna», scriveva Edgar Allan Poe a metà dell’Ottocento. Il trionfo dell’immagine della bellezza femminile accoppiata alla morte è il tema di questo libro, che racconta le vicende della sposa cadavere in un percorso storico vertiginoso e ricco di suggestioni. Venerata come un santino fino ai giorni nostri, la bella donna morta non viene uccisa dalla forza bruta ma da un eccesso di devozione: icona intramontabile della nostra cultura, attraversa il tempo e lo spazio senza mai invecchiare, compiendo il suo eterno sacrificio al Bello e all’Ideale. Dopo aver svelato i retroscena della figura della «pornolettrice» nelle Brave ragazze non leggono romanzi, Francesca Serra ci invita con il suo stile caustico e irriverente a domandarci che cosa si nasconda dietro agli incantevoli cadaveri femminili che affollano i nostri musei, film e romanzi. Perché Ofelia continua a morire, quando acquistiamo al bookshop della Tate Gallery l’ennesima riproduzione del celebre quadro preraffaellita di John Everett Millais? A cosa serve la sua morte? E chi è il suo assassino? Sulla traccia di queste domande si farà un lungo e avventuroso viaggio, dalla Parigi di Baudelaire all’isola di Mauritius, da Goa al paese dei giganti di Gulliver, dal paradiso dell’Arte all’inferno della mercificazione.

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Liberi di costruire Marco Romano

Liberi di costruire

La città è stata fin dal Medioevo il luogo della socialità per eccellenza, il contesto nel quale si sviluppano le dinamiche che determinano l’identità individuale, la dignità e i sentimenti dei «cittadini». La civitas europea ha trovato storicamente la sua manifestazione esteriore nell’urbs, la cornice quotidiana fatta di strade e case in cui le persone ambientano le proprie vite, in un confronto interpersonale che è la base stessa della libertà. Per secoli le città hanno visivamente «mostrato» le tensioni, i conflitti e le diverse istanze di chi le aveva abitate, lasciandole scolpite nella tessitura delle strade e nell’architettura delle abitazioni. Nell’ultimo secolo ha invece preso il sopravvento il concetto di pianificazione, l’idea che fosse vantaggioso stabilire a priori in quali direzioni e con quali modalità una città dovesse svilupparsi, in vista di un fine considerato – dall’autorità – necessario al benessere della cittadinanza. Ma così facendo si è inevitabilmente sottratto al cittadino il diritto di esprimere la propria visione e di far parte a tutti gli effetti della società in cui vive. Liberi di costruire è un libro «impegnato», denso di denuncia e di consapevolezza politica, nel quale l’autore reclama il diritto alla libertà. «Ridurre i desideri degli uomini a diritti codificati nella dottrina della pianificazione, imposti da governi illuminati e pedagogici a cittadini riottosi e ignari del loro stesso bene, significa cancellare quello che li rende uomini: la diversità dei loro individuali progetti di vita».

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Melanconia e creazione in Vincent Van Gogh Massimo Recalcati

Melanconia e creazione in Vincent Van Gogh

In Vincent Van Gogh la relazione tra esistenza e opera, tra malattia mentale e creazione ha fornito materia a una lunga tradizione interpretativa, soprattutto psicoanalitica. Nessuno però ha saputo, al pari di Massimo Recalcati, mettere in rapporto malinconia e dipinti senza cedere a tentazioni patografiche, nel rispetto pieno dell’autonomia dell’arte. Per nessi illuminanti Recalcati procede dalle radici familiari della sofferenza psicotica di Vincent – venuto al mondo nel primo anniversario della morte del fratellino del quale gli fu imposto il nome – alla scelta di vivere da sradicato la propria indegnità di figlio vicario, alla spinta mistica verso la parola evangelica, fino all’estrema devozione alla pittura. Le maschere del Cristo e del «giapponese» servono a Van Gogh per darsi un’identità di cui si sente privo. I suoi quadri costituiscono lo sforzo estremo di attingere, attraverso la luce e il colore, direttamente all’assoluto, alla Cosa stessa. Ma la consacrazione all’arte, che all’inizio lo aveva salvato dalla malinconia originaria, si rivela ciò che lo fa precipitare negli abissi della follia. Il suo movimento pittorico e biografico dal Nord al Sud lo avvicina troppo al calore incandescente della Luce e in questa prossimità, come nel mito di Icaro, egli finisce per consumarsi.

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L'età della finzione Massimo Melotti

L'età della finzione

««Il grande merito del libro di Massimo Melotti è quello di fare un’analisi completa, rigorosa e ricca di sfumature di tutti gli effetti indotti dalla nuova porosità tra finzione e realtà». »
Marc Augé

Viviamo nell’«età della finzione». Espressione tutt’altro che neutra, che tuttavia non si accoda, qui, alle attuali querimonie contro lo strabordare di falsità, simulazione e dissimulazione, fake news e manipolabilità del vero, fuori e dentro la Rete. Piuttosto che vestire la toga dei grandi accusatori è indispensabile rendersi conto che nella società massmediale – in cui il consumo ha ormai dispiegato la sua massima potenza – realtà e finzione non costituiscono più una coppia di opposti in tensione agonistica, anzi sono scivolate in una indistinzione a dominanza finzionale che ha trasformato nel profondo gli assetti percettivi, le pratiche quotidiane, la logica dell’intrattenimento, lo statuto stesso dell’informazione. «Un evento che non sia mediatizzato semplicemente non esiste». L’osmosi è iniziata e Massimo Melotti ne scruta il processo con la sottigliezza del critico d’arte, al quale non sfuggono aspetti qualitativi in genere trascurati dalla sociologia dei media, primo fra tutti il prevalere della dimensione estatica, quella fredda e stupefatta fascinazione che non aspira a risolversi, bensì a protrarsi il più a lungo possibile, oltre lo spazio-tempo e i nessi causali.
L’estasi si celebra ovunque la spettacolarizzazione abbia eroso il limite che circoscriveva il reale: sugli schermi televisivi, con l’intrusione della fiction nella cronaca e l’apoteosi del reality; nei non-luoghi plurifunzionali e multisensoriali, che mettono in scena innanzitutto i consumatori, o negli allestimenti artificiali di interi contesti naturali, deputati al divertimento di massa; nella comunicazione, con le notizie fagocitate dal «tempo reale»; nel virtuale opaco del ...


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L'esperimento del mondo Giacomo Marramao

L'esperimento del mondo

«Non si può essere incolti al punto di amare solo cose di alta qualità». Come una saetta, l’arguzia di Fabio Mauri fulmina qualsiasi proposito di ridurre l’arte alla pura dimensione estetica. A lui, tra i massimi esponenti dell’avanguardia italiana degli ultimi cinquant’anni, il titolo stesso di «artista» suonava enfatico e fuorviante. Forse eccessivo per difetto. Preferiva considerarsi uno sperimentatore di atti linguistici espressi con tecniche diverse, dai dipinti ai collage, dal teatro alle installazioni agli scritti teorici: quadri che si scoprono attivi, diagnosi che diventano performative, corpi che passano all’azione. Ed è infatti l’«azione», «la forma del fare», il carattere distintivo della ricerca di Mauri, secondo Giacomo Marramao, che qui testimonia l’amicizia di una vita attraverso le riflessioni che l’hanno accompagnata. Ciascuno è stato interprete dell’altro, in un conversare mai interrotto che tocca il senso stesso dell’arte e del pensiero. Per Marramao, «l’arte al di là dell’arte» di Mauri allestisce una strabiliante officina di incessante smontaggio-rimontaggio della macchina scenica del mondo, tenendo alto così il proprio «coefficiente di radicalità», innanzitutto filosofico. Per Mauri, l’amico filosofo – a cui affida un ruolo-chiave nella sua performance più celebre – possiede un modo «quasi fisico» di comunicare i «contorni» di un’idea, e sa tenere a freno l’«euforia della teoria». Entrambi coinvolti sino in fondo, su fronti che si sono spesso incrociati, nell’esperimento del mondo.

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Vita quotidiana Enrica Lisciani-Petrini

Vita quotidiana

La tradizione filosofica ha sempre registrato una singolare incapacità a confrontarsi con l’esperienza del quotidiano. Fatalmente attratta dalla sfera dell’eccezionale, dell’eroico, dell’autentico, essa, nelle sue linee portanti, è sembrata perdere i contatti con quella dimensione in cui pure siamo inevitabilmente coinvolti. Così, rimossa o sublimata dai protocolli autoreferenziali del pensiero, la vita quotidiana ne è rimasta a lungo esclusa. L’intenzione prima di questo libro è rompere tale interdetto, riportando la sfera del quotidiano al cuore della riflessione contemporanea. Consapevole della difficoltà del proprio tentativo – nulla ci sfugge più di quanto è da sempre sotto i nostri occhi –, Enrica Lisciani-Petrini adotta una strategia di aggiramento singolarmente felice. Anziché partire dal piano del discorso filosofico, perviene ad esso attraverso i linguaggi dell’arte, della letteratura, della psicoanalisi, del cinema, della musica, della moda, direttamente affacciati sul flusso della vita di ogni giorno. La vertigine mortale di Büchner/Berg o le scene di strada di Brecht, la sonorità dissonante di Schönberg o le note sconvolte del jazz, l’epica metropolitana di Döblin, l’irrisolta enigmaticità di Schnitzler/Kubrick o l’inautenticità sussurrante di Bergman, la fotografia struccata di Evans o l’«angelo qualsiasi» di Klee, oltre a costituire le tessere analitiche di questo straordinario mosaico lessicale, rimettono in tensione produttiva quotidianità e pensiero. A partire da qui vengono alla luce segmenti della riflessione novecentesca, a volte celati o contraddetti dai loro stessi autori, che penetrano la grana impersonale della quotidianità, senza per questo scioglierne l’enigma. La riflessione heideggeriana degli anni venti sulla vita fattizia, le illuminazioni di Benjamin sugli oggetti d’arte, le diagnosi di Lukács sulla vita alienata o i ritratti di Foucault degli uomini senza ...

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Saggi sull'arte, la letteratura e il linguaggio Sigmund Freud

Saggi sull'arte, la letteratura e il linguaggio

L'opera di Freud, edita da Bollati Boringhieri, è l'unica edizione integrale e di riferimento in Italia. Considerata unanimamente la migliore edizione da psicoanalisti e studiosi, fu diretta da Cesare Musatti, il padre fondatore della spicoanalisi italiana, ed è stata costantemente aggiornata da decine di studiosi. Questa edizione digitale mantiene gli stessi elevati standard scientifici e redazionali dell'edizione cartacea, che ha costruito il lessico della psicoanalisi nella nostra lingua. Il volume raccoglie tutti gli scritti in cui il padre della psicoanalisi ha affrontato il problema della creazione artistica nelle sue varie forme. Leonardo, Doré, Shakespeare, Michelangelo, Goethe, Poe, Dostoevskij, Schnitzler: sono alcuni dei personaggi cui Freud ha dedicato saggi o semplici considerazioni di gusto che estendono i concetti e i metodi della psicoanalisi a settori diversi da quello medico-psicologico della sua applicazione originaria. A ogni pagina Freud stesso si fa scrupolo di chiarire taluni nodi concettuali decisivi, e quelle doti di scrittore che lo collocano fra i classici della letteratura tedesca schiudono queste pagine anche a una lettura non specializzata.

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Venezia e il Ghetto Donatella Calabi

Venezia e il Ghetto

Cinquecento anni fa, il 29 marzo 1516, il Senato della Serenissima Repubblica di Venezia deliberò che gli ebrei di diverse contrade cittadine si trasferissero «uniti» (cioè tutti) nella corte di case site in Ghetto, presso San Girolamo. Nasceva così il primo «recinto degli ebrei».
Si trattava in origine del «geto de rame», il luogo in cui venivano riversati («gettati») gli scarti della lavorazione delle fonderie presenti nella zona. Nel corso dei secoli, e su tutti i continenti, questa parola veneziana sarebbe presto diventata sinonimo di segregazione.
Nato come misura di confinamento, il Ghetto diviene in breve un luogo effervescente e cosmopolita, che accoglie gli ebrei provenienti dai luoghi più diversi, oltre a rappresentare uno dei centri di commercio fondamentali della Repubblica veneziana. La struttura architettonica delle sue case, inusuale per Venezia – con i suoi caseggiati stranamente sviluppati in altezza per far posto al numero crescente di abitanti confinati nel luogo –, si intreccia alla vicenda storica del luogo, decisamente centrale per l’Italia e per l’Europa. Qui sorgono i banchi di pegno dai quali passerà buona parte del prestito di denaro della potenza lagunare, ma nel Ghetto non mancano le professioni liberali e la cultura, che fanno di Venezia una delle capitali indiscusse del mondo ebraico e non solo.

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Costruire Roma Agrawal

Costruire

«Un libro meravigliosamente coinvolgente su un'ingegnera e la sua passione per la costruzione»
Mark Miodownik, autore di La sostanza delle cose

«Roma Agrawal intreccia spiegazioni accessibili dei principi scientifici insieme a storie coinvolgenti e aneddoti personali. Un libro puntuale e appassionato»
The Guardian

«Agrawal è una rarità: un ingegnere strutturale donna in una professione prettamente maschile. Ispirerà le giovani donne che stanno prendendo in considerazione una carriera in ingegneria.»
The New York Times Book Review

Spesso le ignoriamo o ne siamo inconsapevoli, ma le costruzioni intorno a noi hanno tutte una storia. I cavi tesi che si allungano sopra un lungo ponte che attraversa un fiume, lo scheletro d’acciaio dietro la superficie di vetro di un grattacielo, le condutture e le gallerie che corrono sotto i nostri piedi, sono tutte strutture che compongono il mondo costruito da noi, e rivelano molto dell’ingegno umano, e delle nostre interazioni, tra noi e con la natura. Il nostro universo artificiale, in continua evoluzione, è un racconto ricco di storie e segreti che, se avete orecchie per sentire, e occhi per vedere, è affascinante da vivere.
Roma Agrawal è una giovane ingegnera che ha alle spalle oltre dieci anni di carriera e, come progettista, ha lavorato a uno dei grattacieli più alti d’Europa, lo Shard di Londra, disegnato da Renzo Piano. In Costruire racconta i materiali che hanno rivoluzionato l’arte della costruzione e rivela le straordinarie vite segrete delle architetture nel mondo.
Questo libro è un viaggio riccamente illustrato attraverso la storia degli edifici – dal Pantheon alla Tour Eiffel, dal ponte di Brooklyn (la cui costruzione si deve a Emily Warren Roebling, la prima ingegnera dell’era moderna), agli avveniristici grattacieli di Dubai ...








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